肖像是通过什么雕塑

通过绘画、摄影、文字等艺术手段，使肖像权人的人物形象在物质载体下再现的一种观赏造型作品。肖像被艺术地再现，应是具体地、独立地被固定在某一特定的物质载体上（如相纸、电视屏幕、报刊杂志等），它是来源于肖像权人又独立于肖像权人的客观视觉形象，能够为人所支配、控制和处分，并具有一定的财产利益。一幅画的价格与作者和技术，材料有关。扩展资料中国肖像画有着悠久的历史，早在商代就已经有肖像画的制作了，六朝时代，肖像画有了新的发展，主张以形写神，注重人物精神气质的刻画。隋唐五代是中国肖像画获得重大进展的时期。明清以前，肖像画的创作，主要集中在宫廷和上层社会，在民间和士大夫阶层之间，尚没有大规模肖像画的创制。明清以来，随着经济的不断发展，人们开始从向外的观察转向自身，留影存真才成为一种时尚，从社会需要的角度可以看出，虽然人物画相对地衰落下去，肖像画却一枝独秀，呈现出旺盛的发展局面。肖像画的创作不再局限于宫廷和世族阶层，开始在民间蔓延，在江南经济相对发达的地区，尤为迅速。南京博物院收藏的这批明清肖像画，几乎都来自繁华、富庶的江南地区，无论是肖像画家还是绘画上所描绘的真实人物，几乎都与江南有关，这也许和这一时期江南社会整个经济、文化风气的变动有关，明清时期江南迅速崛起的商品经济，在一定条件下也支撑了江南肖像画的发展与审美趣味的形成。参考资料来源：百度百科-肖像画参考资料来源：百度百科-肖像

肖像是通过雕塑家使用雕刻技巧和材料来创造的艺术品。在进行肖像雕塑时，雕塑家首先需要有一位真实的人物作为创作对象。他们会使用各种工具和技术来捕捉和再现这个人物的面部特征、姿态和表情。在雕塑肖像时，可以使用多种材料，包括石膏、黏土、大理石、青铜等。不同的材料具有不同的特点和处理方式，可以根据雕塑家的个人喜好和创作需求来选择。雕塑师通常会从一个框架或模型开始，这可以是一个简单的木架或一个具有基本轮廓的模型。他们会根据这个框架来逐渐添加细节，并使用各种刻刀和刻刀来雕刻出人物的面部特征、肌肉和表情。他们还可能使用其他工具来打磨和修正雕塑的细节，以使它更加精细和真实。雕塑师在进行肖像雕塑时需要对人物的特征和比例有深入的了解和观察。他们需要研究人物的面部结构、骨骼系统、肌肉组织以及表情等方面，以便能够准确地再现人物的形象和特征。肖像雕塑是通过雕塑家的技巧和材料来创造的艺术形式，需要深入观察和了解人物的面部特征和表情，并使用适当的工具和技术来雕塑出逼真的形象。

肖像雕塑是通过雕刻、塑造等技术手段来创作的艺术形式。肖像雕塑的制作过程包括以下几个步骤：1. 确定对象：雕塑家需要确定要创作的肖像对象，可以是任何具有特定形象、面貌、特征的人物，包括政治家、文化名人、家人等。2. 采集资料：为了更好地刻画对象的特征和形象，雕塑家通常会采集大量的资料，包括照片、素描、实物模型等。通过观察、测量和分析这些资料，雕塑家能够更准确地把握对象的面容特征、肌肉结构等细节。3. 建立模型：基于采集到的资料，雕塑家会先制作一个小比例的素描或者粘土模型。这个模型可以用来调整和完善细节，同时也是创作过程中的一个参考。4. 雕刻或塑造：在确定好模型后，雕塑家会根据比例放大或者缩小，然后在合适的材料上进行雕刻或塑造。常用的材料包括大理石、铜、陶土等。雕塑家会运用各种工具，如刀、锤、凿子等，进行精密的切削、雕刻和锤打，以塑造出肖像的形象。5. 磨光和修饰：完成基本雕塑后，雕塑家会对作品进行磨光，使其表面光滑细腻。根据需要可以进行一些修饰工作，如添加染色剂、涂漆等，以突出肖像的细节和特征。6. 完成作品：雕塑完成后，可以放置在展览馆、公共场所或私人收藏中，供观赏和欣赏。肖像雕塑是通过艺术家运用创作技巧和工具来创造出与人物真实形象相似的立体雕塑作品。这种艺术形式既要求艺术家具备对人物特征的观察和把握能力，又需要精湛的雕塑技艺来表达和再现人物的形象。

雕塑专业主要研究构图、立体造型、雕塑设计、雕塑技法等方面的基本知识和技能，涉及石雕、木雕、泥塑、陶瓷雕塑等，进行室内、园林和公共环境的各种雕塑的设计、绘图、制作等。例如：毛主席、祖冲之等人物雕塑的制作，公园、城市内装饰雕塑的设计、绘图，纪念碑的设计、雕刻等。课程体系：《壁雕设计》、《创作性人体泥塑》、《雕塑创稿设计》、《雕塑构图》、《雕塑理论与写作》、《浮雕》、《计算机雕塑设计》、《金属雕塑技法》、《木雕技法普修》、《泥塑》。雕塑是中国普通高等学校本科专业，毕业后授予学生学位艺术学学士。专业代码为130403。雕塑专业的发展前景：就业方向：艺术装饰类企业：雕塑设计、雕塑制作； 文化类事业单位：文物修复、城市雕塑设计、纪念雕塑设计。考研方向：美术、美术学、艺术、设计学。参考资料来源：百度百科-雕塑

人体是生命的象征，人体艺术是以人体作为传达艺术家感情的载体，艺术家通过艺术创造，赋予人体以千种色彩、万般体态。我们把时间退回到公元前8世纪，古希腊有许多的城邦，在地中海周围星罗棋布。由于城邦分散，各自为政，而且相互敌视，附近随时都有来犯的外族侵略者，希腊人生命没有保障。每次战争的结果，又极其残酷，富有者一夜被抢光，家中妇女被卖为奴，男子被杀或者干着苦不堪言的重体力劳动。为了保住全家人的性命和免招厄运，人人都与国家大事休戚相关。每个城邦都想压倒其他的城邦，掠夺和征服别人。这样的城邦全靠能打仗会肉搏的壮士来保卫。每个青壮年男子都要把自己锻炼成为强壮的、吃苦耐劳的、体格完美的斗士。斯巴达没有城墙，四面是无屏障的田野，无法防御敌人，曾经战败的异族等待时机再来侵犯。斯巴达的一切都服从于军事攻击和防御，首先要制造强健的种族，于是他们的新生婴儿必须经过长老检查，只有健壮的婴儿才被允许抚养，体弱有病者当即抛入山谷。青年受到最艰苦的集体锻炼，男孩和女孩一样接受锻炼，成年人也接受锻炼。希腊的其他城邦也采取同样的教育方法，健美和敏捷，是希腊人心目中最理想的体格。希腊正是由于这种风气的影响产生了前所未有的观念，他们认为理想的人具有比例匀称、敏捷矫健，并擅长各类运动的裸体，决不以裸体为羞，肯脱掉衣服参加运动和竞技，连斯巴达的女子也能几乎是裸体地参加体育运动。对体育的重视和长期锻炼把怕羞的心理消除了。希腊人从公元前776年开始举办奥林匹克运动会，当时，希腊有四大著名的运动会，不断地举行运动会，足见体育运动在希腊人的生活中何等重要。这些运动会可以说明古希腊人怎样如痴如狂地把完美的人体作为崇拜的对象，在人间歌颂英雄，在天上则敬仰神明。在古希腊的奥林匹克运动会上运动员们都是裸体参与竞技的，胜者是全家族的光荣，共同出资为其打造形象以作永久的纪念，显现出男体的力与美。为了崇拜，从人体美的观念开始产生雕塑艺术，出现了欧洲文化的高峰期，雕塑的内容是塑造得奖运动员的肖像，塑造的神与人一样有完美的肉体，要塑得真实就必须惟妙惟肖，给人以真实感，而且对神的敬意也要表现得超越非凡人的气度和不朽性。在经过三四百年的不断地改进和精益求精，在塑造中和观念上都使人体艺术发展了，最终达到了能代表古希腊对人体美的理想模式，这种模式启示并指导着后世人们进行创造。古希腊是西方文化艺术的发源地，西方人言必称希腊，文艺复兴时更以再造古典运动向古希腊致敬。古希腊艺术绵延2000年，希腊一词意为典雅、优美。希腊民族是爱美、创造美的民族。希腊人在民主自由和激烈竞争的环境中不仅发现、孕育和创造了美，而且也创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，所以希腊艺术主要成就表现在神与人合一的雕刻和神庙建筑。希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。它的主要标志是人体美，古希腊为人类贡献了高不可及的艺术典范之作。希腊艺术是以质取胜的，人体雕刻艺术是古希腊雕刻艺术之冠。这些雕像在人体比例和肌肉质感方面都接近真实的人体，面部表情十分生动。更重要的是注重刻画人物瞬间的表情和动势，具有较强的冲击力。如《濒死的战士》整个画面是描写希腊神话中特洛伊战争的故事，真实地表现了临战姿态，人物的体形比例和肌肉的刻画准确而简练，扭曲的躯体、双臂和腿的动态都充分地表现出伤重倒下的痛苦状态，人物面部呈现出丰富的表情。再如米隆的《掷铁饼者》，人体动势弯腰屈臂成S形，回转的头部和扭曲的身体被巧妙地处理为一种和谐的姿态，以一个固定的动作表现出运动的连续性，充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把身体的和谐、健美和青春的力量表现得淋漓尽致，造成单纯中见多样变化的形式美感。这尊雕像解决了雕塑支点的重心问题，被誉为体育运动之神。《自杀的高卢人》表现被打败的高卢人首领，为了不做敌方阶下囚而受辱，勇敢而坚定地杀死爱妻之后自杀。这是一座震撼人心的悲剧性雕像。雕刻家着意刻画自杀时的紧张瞬间，群雕采用各种对比的手法塑造形象，立与垂、生与死、动与静、形体的仰与俯、正与侧转，构成了一座三度空间四面观赏的组合雕塑形式，成为后来广场雕塑像的范本。希腊雕像充满着生命的活力，即使残缺也是活物，人们在想象中弥补了残缺，获得了完满的审美享受。众所周知的断臂维纳斯雕像不消说了，《胜利女神像》是希腊化时期留存下来的另一尊著名杰作，被奉为稀世珍宝。这座雕像整个动势结构十分完美生动，雕刻技巧高超，雕像在形式上已转向世俗化、戏剧化和形象的人格化，并以传达人类心理和激情力量为其特征。已无头部的雕像屹立山巅，面向大海展开双翅，呈现欲飞之态，飒爽挺立的身躯，高高飞扬的雄健羽翼，充分体现出了胜利者的雄姿和欢呼凯旋的激情。被海风吹拂的衣裙贴着身体，衣裙褶纹构成疏密有致生动流畅的运动感，呈现出生命的飞跃。掷铁饼者希腊米隆掷铁饼者，大理石雕复制品，原作为青铜，米隆作于约公元前450年。掷铁饼者这尊被誉为体育运动之神的雕像，一望而知是表现投掷铁饼的一个典型瞬间动作：人体动势弯腰屈臂成S型。这使单个的人体富于运动变化，但这种变化常常造成不稳定感，所以作者将人物的重心移至右足，让左足尖点地以支撑辅助，以头为中心两臂伸展成上下对称，从而使不稳定的躯体获得稳定感。身体的正侧转动，下肢的前后分列，既符合掷铁饼的运动规律，又造成单纯中见多样变化的形式美感。米伦的这尊雕像解决了雕塑的一个支点的重心问题，为后来的雕塑家创造各种运动姿态动作树立了榜样。公元前449~前334年是希腊雕塑艺术的全盛时期，艺术史上称为古典时期，大量优秀的雕塑作品出自这个时期，《掷铁饼者》就是现存流传最广的艺术杰作之一，也是古希腊著名雕塑家米隆的代表作。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，表现了作者高超的艺术技巧。虽然原作已经失传，但我们仍能从复制品中感受到那生命力爆发的强烈震撼，也是我们研究古希腊雕刻的重要资料。《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的引而不发的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得运动感的效果，成为后世艺术创作的典范。掷铁饼的强烈动感与雕像的稳定感结合得非常好。雕像的重心落在右腿上，因此右腿成了使整个雕像身体自由屈伸和旋转的轴心，同时又保持了雕像的稳定性。掷铁饼者张开的双臂像一张拉满弦的弓，带动了身体的弯曲，呈现出不稳定状态，但高举的铁饼又把人体全部的运动统一了起来，使人们又体会到了暂时的平衡。整尊雕像充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把人体的和谐、健美和青春的力量表达得淋漓尽致，体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是空间中凝固的永恒，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。米隆生于公元前492年，艺术活动于公元前472~前440年间。他是伊留特拉依人，鲍萨尼亚斯在自己的旅行记中把他当作雅典人，这大概是他长期在雅典工作的缘故。米隆大概在20岁时到阿基列达斯门下学习，而艺术成熟于40岁左右。他擅长以青铜为材料的雕塑，能巧妙而准确地表现人物在运动中的正确姿态，塑成形神俱真的动物。传说他为雅典城堡塑造的青铜牡牛雕像，由于乱真而招惹成群的野狼；他雕刻的马，竟引起真马的嘶叫。可惜的是米隆所有的雕刻原作都没有保存下来，现在所看到的仅仅是后来罗马匠师模制的大理石复制品。米隆是位大胆进行艺术革新的雕刻家，他勇于探索和表现新而又难的雕刻技法，力图使和谐壮丽与逼真生动合二为一，他善于运用超群的雕刻技巧表现运动中的人体，尤其是对激烈动势中的竞技者的人体均衡与静止的处理有独到之处，这充分表现在他的《掷铁饼者》中。米隆的雕塑艺术的最大长处是反映迅速变化的运动感，往往能突破时空的局限，抓住雕像动作的关键瞬间，扩大了形象的时空表现力。一种体育精神和力与美的集合就这样展现在大家面前。荷矛的战士希腊波刘克莱托斯这位荷矛的年轻壮士，身体发育得十分完美，体格强健，肌肉发达。作者的艺术法规确定了其身长与头的比例是7：1。他认为只有这个比例才是最美的数，它符合社会的审美观。雕像的姿势是左手持矛，右腿站立，支撑点落在右腿上;右手下垂，左足则稍微向后弯曲点地，其动势显出一种轻松的气氛。从左右两腿力度的对比来看，它表现了一种和谐的统一。波刘克莱托斯的比例说，是和当时毕达哥斯学派的美学观相一致的。这一学派认为数的和谐就是支配一切生活现象的客观规律性。古希腊，有人从数的概念创造的黄金律，是研究美的一种形式。《荷矛的战士》作为一个美学常数，作为人类视觉语言的一个词汇，反映了古代艺术家认识世界的一个侧面。在斐罗所著的《机械学》一书的第四卷第一章里，也提到过波刘克莱托斯一句名言：艺术作品的成功是要靠许多数的关系，任何一个细节都具有意义。可见，数的概念也是古代希腊人的美学概念。这尊雕像所制定的比例数，就成了当时赞赏人体美的一种理想的标准了。《荷矛的战士》原作已不复存在。据考证，古时保存着几个大理石复制品，其中即以在庞贝发现的这一尊为最好，现藏于意大利那不勒斯博物馆。此像高约198厘米，其制作的考证年代于公元前450~前440年。背景：在古代雅典城外，有两个著名的运动场地，一个叫阿加德米，一个叫卢基厄模。那两处运动场受到政府的保护，那里常年碧树成阴，绿茵铺地。每当晴朗的日子，青年壮士们就在那里练习赛跑、跳远、掷铁饼，或作其他的体育活动，为每4年一次的泛希腊奥林匹亚竞技会作充分的准备。与此还可以看到三五成群的人也在运动场附近，热烈地讨论着近期雅典上演的戏剧，有的围着一位须发斑白的学者，倾听他讲解复杂的哲学问题。公元前5世纪，雅典城就是古希腊科学与哲学及文化的中心。学术思想与自由讨论的空气相当活跃，许多哲学家和艺术家以及四方游学之士荟萃在这里。运动场阿加德米由于经常展开学术活动，渐渐演变成名词学院专称了。我们从这些古代文化生活中发现，古希腊人要以美的体格来培养美的灵魂。雅典的公民，不仅把运动场看作锻炼身体的地方，它还是取得智慧的场所。希腊艺术的全盛时期一般可分成两个阶段：第一阶段，自公元前449年至该世纪末，以伯罗奔尼撒战争的结束为标记;第二阶段是从公元前第4世纪至亚历山大大帝去世时止。著名的雕塑家菲底亚斯是这一全盛时期的代表人物。这位雕塑家曾受命为雅典设计建造了一座在希腊艺术史上传为美谈的古代庙宇，即巴底隆神庙。假如我们把巴底隆神庙的雕刻，标志为希腊雕刻的高峰，从与其同时代的另一位大师波刘克莱托斯的《荷矛的战士》这一雕像上，可以看到这一时期在雕塑艺术方面的成就。波刘克莱托斯是希腊北部昔克翁人，但他一直生活和工作在中部的阿尔哥斯，是属于阿尔哥斯-昔克翁派(即伯罗奔尼撒派)的雕塑家。这一派以青铜为主要雕塑材料，题材也偏重于运动员、竞技士等现实人物。波刘克莱托斯的创作成就集中表现在理论上，他从数的关系上来研究雕像的美，雕塑史上也称他是创造数的比例的雕塑家。他的名著《法规》一书便是证明，此书阐述了他对人体美的比例的见解，并制作了这尊青铜像《荷矛的战士》作为他的理论样板，也称它为法则。刮汗污的运动员希腊列西普斯《刮汗污的运动员》连同他的其他青铜雕像，都已不复存在，今天只能从一些被认为是可靠的大理石摹制品上看到他的雕塑风格。这件复制品现藏罗马梵蒂冈博物馆内。希腊古典时期雕塑的最后一位代表是列西普斯。他诞生在公元前4世纪下半叶，虽然和他的前辈柏拉西特列斯、史柯珀斯一样，也处在一个城邦国家发生危机的年代，但他的大量青铜雕像不仅继承和发展了前人的传统，还创立了人体美的一种新标准。他的运动员雕像，身躯和四肢要比波刘克莱托斯的《荷矛的战士》更修长，头是全身的1/8。这一尊《刮汗污的运动员》(原作约于公元前330年)就是他这一新标准的规范。这决不是说，他在任意拉长比例。这个新比例是他从对无数运动员的实际观察中获得的。他发现了7∶1的法规还不是当时运动健儿的最美典型。作者创作的大小青铜铸像计有1500多个。作者在这尊雕像上成功地表现了运动员的精神状态，尽管雕像是静止的，仍显示了一种似乎有点疲惫的感情。他表现一个动作刚结束，下一个动作行将开始的一个瞬间。脸上的劳累表情和全身肌肉的紧张状态，构成这种疲惫感的特征。艺术家发挥了特有的雕塑语言，使大理石也显得有血有肉了。古罗马历史学家普林尼说这位雕塑家最善于表现个性，亚历山大大帝也最满意他的雕塑，他只允许列西普斯来为他造像。另一个特点是，他的全部创作题材只是神、英雄和运动员，从未制作过一座女性像。自杀的高卢人希腊阿基桑德罗斯希腊化时期另一个美术中心是小亚细亚的柏加马，那里是自亚历山大死后新诞生的又一个领土不大的独立王国，约建于公元前284年统治者是阿塔尔一世。在公元前3~前1世纪期间，那里的政治、经济和文化都很繁荣。如果以图书馆的藏书来鉴定它的文化水准，恐怕柏加马仅次于亚历山大里亚，而居第二位。它的羊皮纸生产也是全希腊最著名的。柏加马的卫城包括雅典娜神庙、王宫、图书馆和宙斯祭坛，是一组巨大而很出色的建筑。因为阿塔尔王及其后继者阿塔尔二世、欧墨涅斯二世等，都十分重视艺术，他们聚贤集世，对美术的爱好尤甚。这些帝王竭力推崇雕塑艺术对国民的宣传鼓动作用。考古学家们后来在那里发现了希腊化时期一些最卓越的雕塑古迹，宙斯祭坛上面的巨大饰带浮雕被发掘出来后，曾被称为世界奇迹之一。在雕刻上，出现了一种新风格，那着重以渲染事件的激情为主，后人称为柏加马派。自杀的高卢人公元前241年，阿塔尔一世打败了经常袭击和蹂躏希腊本部的一股中欧游牧民族——高卢人，为了纪念战功，国王聘请来一批希腊雕刻家，让他们制作纪念雕像来装饰雅典娜神龛。这些雕像都是青铜铸造的，现虽已荡然无存，但是有许多大理石摹制品留存下来。这些摹制品是在16世纪初叶，和19世纪才被考古家们在罗马发现的，它们成了我们今天认识希腊化时期雕刻精品的最可靠、也是最珍贵的文物，其中以《垂死的高卢人》和《自杀的高卢人》两尊为最精彩。《自杀的高卢人》描写的是一个战败的高卢战士，为了不被敌人俘虏后身受凌辱，他先亲手杀死了自己的妻子，然后准备自刎。他左手搀着已被他杀死了的妻子，右手执剑往自己的左胸口刺入。身子站立着，眼睛向后面追来的敌人投射出无比的愤怒，具有一种宁死不屈的壮烈姿态。雕像构思的成功，以及它那现实主义的手法，其艺术效果，与塑造者的原意正好相反。艺术家的本来目的是要揭露侵略者的悲惨遭遇，以表彰胜利者的凯旋与幸福情绪的。可是实质上，由于过分强调了高卢人的尚武精神，反把敌人的英勇不屈气概给表达得淋漓尽致。我们从这组雕像的形式设计上看，雕塑家的主要成就，是他们选中了古代战士视死如归的最激动时刻。这和当时亚历山大里亚的雕塑风格形成鲜明的对照，后者偏重于装饰，而且多造园林和喷泉，所作雕像多为女子裸体。因此柔靡之风过重。在柏加马，我们看到的只是胜利的凯歌，连它的所有祭坛浮雕，也都象征着对高卢人胜利的统治精神。宙斯祭坛上的高浮雕，虽然刻画的是神话题材，实际上那条大饰带浮雕所描写的众神与巨人战斗的激烈场面，就是希腊人战胜游牧民族高卢人的寓意化。另一尊雕像于1863年发掘，它表现了一个受重伤的高卢战士，他坐在地上，身向右前方倾斜，右手支撑着地面，左膝屈起，似乎仍想挣扎地站起来，表达了一种不甘屈服的痛苦意志，深刻地揭示出一个处于垂危时刻的战场英雄的复杂情绪。英雄的气概被表达得栩栩如生，人们几乎可以从雕像的激愤中看到他身上流下的鲜血。有趣的是这些雕像的创造，本来是为了表彰统治者阿塔尔一世的战功的，可是艺术品本身却宣扬了一种中欧游牧民族高卢人的勇敢好胜与强悍不屈的精神。这正是现实主义艺术的无情性，作品产生了与柏加马王国的意图相反的艺术影响。断臂的维纳斯希腊亚历山大罗斯《米洛斯的阿芙洛蒂忒》是1820年发现于爱琴海的米洛斯岛，经过一番争夺，被法国人买走，并于1821年5月起珍藏于巴黎的卢浮宫。从基座的铭文中，人们获知雕像的作者为亚历山德罗斯，并推断出作品创作的年代大约在公元前150年。断臂的维纳斯在希腊化时期，表现女性人体美的雕塑日渐增多，对爱与美之神阿芙洛蒂忒，也就是维纳斯的歌颂更是层出不穷，其中最为著名雕像的就是这尊《米洛斯的阿芙洛蒂忒》，也就是俗称断臂的维纳斯，并已经成为赞颂女性人体美的代名词。从雕像被发现的第一天起，就被公认为是迄今为止希腊女性雕像中最美的一尊。多少年来，人们对她倾注了不计其数的赞美和歌颂。爱神的身材端庄秀丽，肌肤丰腴，美丽的椭圆型面庞，希腊式挺直的鼻梁、平坦的前额和丰满的下巴、平静的面容，流露出希腊雕塑艺术鼎盛时期沿袭下来的理想化传统。她那微微扭转的姿势，使半裸的身体构成了一个十分和谐而优美的螺旋型上升体态，富有音乐的韵律感，充满了巨大的魅力。作品中女神的腿被富有表现力的衣褶所覆盖，仅露出脚趾，显得厚重稳定，更衬托出了上身的秀美。她的表情和身姿是那样的庄严崇高而端庄，像一座纪念碑；她又是那样优美，流露出最抒情的女性柔美和妩媚。人们似乎可以感到，女神的心情非常平静，没有半点的娇艳和羞怯，只有纯洁与典雅。她的嘴角上略带笑容，却含而不露，给人以矜持而富有智慧的感觉。尤其令人惊奇的是她的双臂，虽然已经残断，但那雕刻得栩栩如生的身躯，仍然给人以浑然完美之感，以至于后世的雕刻家们在竞相制作复原双臂的复制品后，都为有一种画蛇添足感觉而叹息。正是这残缺的断臂似乎更能诱发出人们的美好想象，增强了人们的欣赏趣味。雕像没有追求纤小细腻，而是采用了简洁的艺术处理手法，体现了人体的青春、美和内心所蕴含的美德。整尊雕像无论从任何角度欣赏，都能发现某种统一而独特的美。这种美不再是希腊大部分女性雕像中所表现的感官美，而是一种古典主义的理想美，充满了无限的诗意，在她面前，几乎一切人体艺术作品都显得黯然失色。整个雕像的比例也是十分耐人寻味的。它接近于利西普斯所追求的那种人体美比例，雕像的各部分比例几乎都蕴含着黄金分割的美学秘密。这正是古人对于人体美的赞颂和肯定，为后世的艺术树立了不朽的典范。法国获得这尊雕像时，全国一片沸腾，人们视之为国宝，并被尊称为卢浮宫的镇馆之宝。她一直为世界上所有热爱艺术和美的人们所景仰，他们都以能亲眼目睹这尊古希腊最伟大的艺术奇迹为人生一大幸事。

在很早以前，人类的意识尚处在朦胧时期，就开始了雕琢和塑造人物的活动，用雕塑模拟对象。由于借助物质材料构件的实体空间直接同肉体的真实生命接近，人们在这种生命形式的转换过程中，发现了自我超越的价值。以下是我为你精心整理的肖像雕塑的起源背景，希望你喜欢。 　　肖像雕塑的起源背景 欧洲肖像雕塑 在欧洲大陆。早在公元前4世纪至公元前3世纪，希腊化艺术后期出现歌颂哲人、诗人的肖像。随后的古罗马时代，王宫贵族出于自己统治目的的需要。请雕塑家直接为其造像，随即形成了肖像雕塑史上第一次高潮。每尊肖像都是具体的人，有具体的身份，甚至有摆放的具体地点。最为普通的材料为大理石、青铜。罗马时代的肖像从内容、形式、材料以及服务对象、审美标准等方面进行了一次 性定位，以后的 历史 演变并没有本质的突破。肖像雕塑毕竟是属于现实人的艺术，在“神”的时代相对受到限制。在经过了中世纪的低潮之后，文艺复兴使肖像艺术得以复苏，并在18和19世纪再次进入高潮。所涉及的人物从统治者、科学 文化 名人推至普通老百姓。所有的雕塑家都程度不同地为人塑过或刻过肖像。罗丹推崇的乌东是这段高潮中的肖像巨星。就是在传统与现代猛烈击的20世纪，肖像雕塑还是顽强地生存了下来。除了罗丹是19世纪与20世纪之交产生的肖像巨星之外，现代主义雕塑大师中杰出的代表人物之一曼祖，其肖像作品也相当典范。 　　中国古代肖像雕塑 中国古代没有肖像雕塑传统并不能否认中国古代某时期、某地的作品具有较强的肖像特性，这种所谓的肖像特性就是作品背后具有坚 实的生活原型。在浪漫、流畅的春秋艺风和粗犷、奔放的汉风之间夹进了一个现实而理性的秦兵马俑，无疑是令人惊奇的。 秦兵马俑强烈的现实性 决定 了它的肖像特征性。从时间上看，它比罗马肖像稍早，但这种肖像性并没有进一步发展而成为传统。究其原因，可能是肖像雕塑诞生与存在取决于帝王及统治者们的审美取向。中国的王宫贵族自有帝王观和艺术观。与西方相比。同样是处于显威、歌功颂德的目的，中国的王宫贵族往往回避了西方的直接塑造自己的方式，而采用了龙凤、狮子、麒麟等瑞兽以及仆人、军队、武士来衬托自己的伟大与神圣。看来，中国古代雕塑家要给帝王及达宫贵族直接造像是不太可能的。他们所能充分发挥人物塑造才能的领域是仆人、艺妓、士兵等普通人，所以我国古代各种陪葬俑能充分地显示生动的生活气息及作者深厚的艺术功底，能呈现出本文提及的肖像性。同样，在佛教 雕刻 中，古代雕塑家最能发挥现实描写才能对象是供养人，罗汉次之，然后是菩萨，创作自由最为有限的是主佛。像山西平遥双林寺的供养人以及罗汉堂中的罗汉，都可以称之为价值极高的肖像。大足石角中各种经变 故事 中的普通人物更为生活化、现实化，不少作品也完全可以被视为普通人的肖像。 中国古代没有肖像雕塑传统的结论并不否定中国古代雕塑 营养 对当今肖像创作的滋润。事实上不少雕塑家已经在肖像创作中作过做过吸取民族传统的精彩实践。可以断言，几千年的传统宝库曾经并正在继续哺育中国雕塑并推进其不断演绎。 　　中国肖像雕塑发展 中国的真正意义上的肖像雕塑于本世纪从西方引进，五四新文化运动之风，随便把肖像雕塑带入了我国。我国最早的一批留洋的老前辈在学成回国之后，陆续创作了各种各样的反应革命先驱、爱国志士、文化名人等肖像作品，顺应了正在中国发生的反帝、反封建的进步文化运动趋势，为民族解放的进步事业作出了贡献。中国肖像雕塑发展的真正高潮还是新中国成立以后至今的这50年。 二三十年代留法、留日的人才班底，加上50年代留苏的队伍，并结合中国的具体情况，共同构建了中国的写实主义体系。目前的八大 美术 院校虽各有不同，但都属于一个大体系，这个体系就是过去常提的现实主义体系。这个体系首先突出的是扎实的写实基本功，以及源于生活、高于生活的创作方法。所以美术院校都将创作纪念人物肖像作为主要教学课程之一。在此值得一提的是老一辈雕塑家在引进西洋写实雕塑的倡导、弘扬并传授了民族传统雕塑的若干精华，为具象及肖像雕塑的民族化作了不懈努力。这样一个体系培养出的学生，完全适应了新中国的 社会文化 建设的需要，雕塑家们创作了大量为社会作出了贡献的英雄、模范、工人、农民、士兵、知识分子、少数民族人物肖像，当然还创作了大量的人物肖像。特别是文化大革命中席卷全国的毛泽东雕像热以及样板雕塑《收租院》、《农奴愤》等各地阶级 教育 群雕，有利于中国的写实雕塑队伍以及现实主义体系项改革开放的新时代的过渡。 改革开放的时代为中国文化艺术的发展提供了前所未有的广阔空间，各有思潮、流派 群雄逐鹿 ，并相互影响，相互撞击，构成了 当代中国 文化艺术的瑰丽景观。雕塑界也一样。也可以这样说，中国雕塑正在经历前所未有的大好时期，以及前所未有的大冲击、大变革。新时代的肖像艺术作品作为其中的一道风景，同样绽放着自己的光彩。由于社会经济的大发展，应两个文明建设的需求，一大批中国历史英雄、科学家、文化名人等室外纪念像为广大热衷肖像雕塑的艺术家提供了大显身手的机会，其次就是他们为参加各类展览创作了大量肖像雕塑作品。新时期的肖像创作更倾向于人性化以及内心化，更注意对象的个性张扬，这符合当代社会对人本和人性的关怀。 毫无疑问，受到新思潮、新流派的强烈冲击，传统的现实主义一统 天下 的地位被动摇。肖像雕塑可能很容易被人视为太旧、太传统，但笔者在此认为，任何时候，只要有人，肖像雕塑就会有存在的价值;笔者还认为当代中国肖像雕塑应该而且可以走出“旧”的困境，跟上“现代化”。 　　肖像雕塑的创作审美准则 “神形兼备”是我国肖像雕塑创作最为基本的审美准则，同时也是方法论，中国的肖像雕塑家都知道“神形兼备”，其主要内容是肖像作品在反映人物对象时达到形与神的完美统一。作为方法，则要求雕塑家充分掌握人物对象的生活资料，对其形与神进行一番去粗取精、去伪存真的 消化 ，最终升华出对象形与神的个性特征，然后创作出“形神兼备”的作品。这文作者认为这百分之百的忠于对象的“形神兼备”对肖像创作是不够的，它的危险之出在于完全把作者置于忠实与对象的镜子式地位，其作品尝尝表现出作者的非存在性。在此，笔者要提出的是：在忠实于对象的“形神兼备”前提下的另一种“形神兼备”，即作者创作个性的“形神兼备”，也就是说“形神兼备”应该同时涵盖客体与主体两个方面。倡导肖像创作艺术家个性的自觉展现是中国肖像雕塑走出“旧”的困境 措施 之一。在此提出创作个性并不否定中国好的肖像雕塑作品具有艺术家个性的现实，特别是一大批从事纪念性肖像创作的资深雕塑家，其作品都能展现出各自不同于他人的艺术个性。但笔者认为，从总的中国肖像雕塑现状来看，艺术家的创作个性在肖像创作中需要进一步觉醒。凡西方雕塑大师的肖像作品所展示得艺术自身的艺术个性是显而易见的。来开朗基罗的《收租院》并不缺少作者形体雄伟的一贯特点，以及他英雄式审美价值的一贯取向;乌东的所有肖像作品不管反映对象个性及造型角度多么不一样，但并不失他个人那种严谨、深邃及华贵的艺术风格 ;我们再看罗丹，从他的肖像作品《达鲁》、《雨果》、《法尔尼埃》到《巴尔扎克》，不管进行怎样的演变，罗丹的那种特有的塑造方式与光影追求是明显的;布德尔完全可以把自己对建筑感的追求放进他的肖像;爱泼斯坦的那种表面的锁碎的塑造肌理一直展现在他各种不同的肖像作品之中;而曼族的肖像作品与他的其它作品一样，总是洋溢着属于他自己的那种简洁大方、平易含蓄的艺术意境。 属于艺术家自己的“形与神”，在肖像中的反映是多方面的，它受艺术家独特的审美价值取向所左右。这种创作主体的“形与神”的展示，也许是艺术家研究和表达对象的独特方法，或者是特殊角度;也许是艺术家所惯用的独特塑造语言，或者是个性化形体语言;也许是艺术家所一惯崇尚的审美意境，等等。

肖像，是指通过绘画、摄影、文字等艺术手段，使肖像权人的人物形象在物质载体下再现的一种观赏造型作品。所谓 “肖像权”，是一种专属于自然人的人格权。法律意义是：自然人对自己通过造型艺术或者其它形式，在客观物质载体上的再现自己的形象所拥有的不可侵犯的专有权。公民在自己的肖像上所体现的人格利益，是我国法律规定保护肖像权的对象。它包含基于肖像所体现出的人格利益上之精神利益和财产利益。扩展资料肖像是艺术地再现自然人的外貌形象。通常，我们判断人物的外部形象表现是否构成肖像，应结合其表现的形式和表现的部位来看待。必须人物形象必须具有肖像特征。一是其表现形式即通过摄影反映出特定公民的图像；二是肖像还必须反映出特定公民的姿态、容貌、表情等主要特征；三是肖像必须真实可辩、熟知的人一看就知道是谁的肖像。必须是特定的公民肖像的事实。公民肖像在图片中，应占整个图像中被凸显的主体地位，被作为特定对象来表现，而不是作为陪衬体；同时目的也不是通过肖像使用（手段），来达到目的。